Ashley Cooke öffnet ihr Tagebuch und ihr Herz auf ihrem neuen, selbstbetitelten zweiten Album
Diese Unterscheidung ist wichtig, denn "ashley cooke" ist ein ungewöhnlich intimes Album. Ashley Cooke hat es als "ein Coming-of-Age-Album, getarnt als Beziehungsalbum" beschrieben, und das ist vielleicht die aufschlussreichste Beschreibung dieses 15 Titel umfassenden Projekts. Hinter all den Jungs, Trennungen, widersprüchlichen Signalen, nächtlichen Telefonaten und emotionalen Hin und Her verbirgt sich eine junge Frau, die versucht herauszufinden, wer sie ist, was sie will und warum sie immer wieder dieselben Fehler macht.
Hier gibt es jede Menge Beziehungsdrama, aber es handelt sich nicht wirklich um ein Trennungsalbum. Es ist ein Album darüber, mitten im Chaos zu stecken. Das verleiht "ashley cooke" sowohl seine größte Stärke als auch letztendlich seine größte Einschränkung.
Cookes bisheriges Werk, insbesondere "Ace", entstand in einer Zeit außergewöhnlicher persönlicher Umbrüche. Die Krebsdiagnose ihres Vaters, die gesundheitlichen Probleme ihrer Mutter, ihre eigene Diagnose des Brugada-Syndroms, der Tod beider Großmütter und das Ende einer langjährigen Beziehung prägten all diese Songs. "ashley cooke" entsteht aus einer anderen Ausgangslage. Ihr Vater befindet sich in Remission, das Leben ist leichter geworden und Cooke hatte den Freiraum, sich damit auseinanderzusetzen, was passiert, wenn die unmittelbare Krise vorüber ist.
"ashley cooke" könnte sich so anfühlen, als hätte jemand heimlich ihren Gruppenchat in ein Country-Album verwandelt
Das Ergebnis ist ein Album über das Chaos, das auf das Überleben folgt. Mit dem Eröffnungstrack "if i'm being honest" streift Cooke sofort den Glanz ab. "Seid ihr bereit?", fragt sie, bevor sie in eine ruhige, zurückhaltende akustische Einleitung einsteigt, die sich eher wie ein Geständnis anfühlt als wie ein Album-Opener. "Ich schweife ab, wenn ich nervös bin, und ich trinke Wein zu schnell", gibt sie zu und stellt ihre Persönlichkeit und ihre Verletzlichkeit mit ein paar wunderschön menschlichen Details dar.
Es ist eine wichtige Eröffnungsaussage, denn Cooke präsentiert sich hier nicht in einer aufpolierten Version. Sie zeigt sich so, wie sie ist: Sie grübelt zu viel, trinkt zu schnell, wird nervös und verliebt sich Hals über Kopf. Der Song wirkt in seinem Aufbau fast autobiografisch und vermittelt den Eindruck, dass es auf diesem Album nicht darum gehen wird, sich hinter cleveren Country-Klischees zu verstecken. Es wird darum gehen, die Wahrheit zu sagen und Cooke versteht es sehr gut, die Wahrheit auf interessante Weise zu erzählen. Das wird bei "High School Sweetheart" deutlich, wo ein disco-angehauchter Countrypolitan-Groove auf einen Hauch von Fleetwood Mac trifft. Das Ziel ist jemand, der in der Stadt große Töne spuckt, doch anstatt einfach nur einen konventionellen Diss-Track abzuliefern, verdreht Cooke den Titel zu einer sarkastischen Abfuhr: "Kleinkariert zu sein bringt dich nicht weit, das hier ist kein High-School-Liebling."
Es ist raffinierter, eingängiger Pop-Country, aber darunter verbirgt sich etwas Cleveres. Cooke findet immer wieder Wege, vertraute Situationen aus leicht schrägen Blickwinkeln zu betrachten. Dieser Instinkt ist eines der Dinge, die sie von der immer dichter werdenden Masse junger Country-Pop-Künstler abhebt, die sich gerne offenbaren.
"ashley cooke" gewährt dem Hörer einen Blick auf die Person hinter der Künstlerin
Dann folgt "Baby Blues", der luftige, verführerische Song, der bereits zu einem der prägenden Momente dieser Ära geworden ist. Ein entspanntes Gitarrenriff, rauchige Vocals und ein schwelendes Gefühl der Anziehungskraft verleihen dem Titel eine küstennahe, fast sonnenverwöhnte Atmosphäre. Er ist kokett, ohne seicht zu wirken, und Cookes Entscheidung, die letzte Strophe bei Live-Auftritten jeweils einem anderen Fan zu widmen, verdeutlicht etwas Wichtiges über ihre Beziehung zum Publikum. Sie möchte, dass ihre Songs zu persönlichen Erfahrungen der Menschen werden. Vielleicht sind deshalb gerade jene Songs des Albums am stärksten, in denen das Spezifische zur Universalität wird.
"Famous to Frances" ist ein hervorragendes Beispiel dafür. Der gemeinsam mit Johnny Clawson und Kyle Sturrock geschriebene Song greift die seltsame emotionale Grauzone einer Beziehung auf, die weder ganz ungezwungen noch richtig fest ist, und verleiht ihr eine wunderbar unerwartete Perspektive. Die Person, die am meisten darüber weiß, ist weder ihr Freund noch ihre Familie. Es ist ihr Therapeut. "Für die meisten meiner Freunde bist du nur ein Spitzname / Meine Eltern wissen nicht, dass es dich gibt / Aber für Frances bist du berühmt." Der Witz ist lustig, aber die Emotion dahinter ist es nicht. Cooke beschreibt eine Beziehung, die sie niemandem sonst erklären kann, weil sie sie selbst nicht definieren kann. Diese Ungewissheit hat etwas ausgesprochen Modernes an sich, und die Produktion von Dann Huff übertreibt sie klugerweise nicht. Das Arrangement baut sich allmählich auf, lässt Raum für den Text und bewahrt so den dialogartigen Charakter des Songtexts.
"johnny 'n june" - nicht immer geht es um Johnny Cash und June Carter
Der raffinierteste Titel des Albums ist jedoch wohl "johnny 'n june". Zunächst liegt die naheliegende Vermutung nahe, dass Cooke damit auf Johnny Cash und June Carter anspielt. Stattdessen bedeutet der Titel "Johnny im Juni". Es ist ein einfaches Wortspiel, das in einen der bewegendsten Songs des Albums mündet. Der Track ist reduziert und intim und wirkt wie etwas, das am Ende einer langen Nacht am Lagerfeuer gesungen wird. Cooke füllt ihn mit kleinen, greifbaren Erinnerungen: "Cinnamon Zyn auf einer Fahrt mit dem 4Runner", billiger Wein, eine Veranda, ein Gewitter und Sommerregen, der auf den Lippen von jemandem nachklingt. Das sind keine großartigen romantischen Bilder. Es sind Fragmente. Und genau deshalb funktionieren sie. Der Song zeichnet eine Beziehung Monat für Monat nach, wobei Cooke sich immer wieder einredet, dass sie irgendwann darüber hinwegkommen wird. Aus dem Juli wird September, dann November und Dezember, während neue Menschen auftauchen, die theoretisch bessere Kandidaten sein sollten. Doch keiner von ihnen kann die Verbindung nachbilden, die sie immer noch zu vergessen versucht. Es ist ein wunderschön beobachtetes Porträt der Irrationalität der Erinnerung. Der clevere Titel ist nicht der Kern des Songs; er wird zum Einstieg in ihn.
"excuses" bringt dann die nötige Energie in das Album. Mit seinen Pop-Rock-Gitarren und seiner radiotauglichen Energie liegt der Song irgendwo zwischen Sugarland und Rascal Flatts, während die in den Texten zum Ausdruck kommende Unruhe fest verankert bleibt. Cooke zählt immer verzweifeltere Gründe auf, warum sie einen Ex kontaktieren möchte, darunter "Sind meine Ohrringe in deinem Bronco?" und "Meine Mutter hat schlechte Nachrichten bezüglich ihres Herzens bekommen." "Ich bin nicht stolz darauf, aber was soll man schon machen?", fragt sie. Diese Zeile fasst einen Großteil von "ashley cooke" zusammen. Hier wird deutlich, dass die Erzählerin nicht immer die richtigen Entscheidungen trifft. Sie weiß, dass sie sich Ausreden einredet, rückfällig wird und sich gelegentlich selbst sabotiert. Aber das zu wissen und sich davon abzuhalten, sind zwei ganz unterschiedliche Dinge.
Diese Spannung setzt sich in "dance around it" fort, einem weiteren Pop-Country-Ausflug, der so klingt, als würden Fleetwood Mac mit Miley Cyrus jammen. Zwei Menschen wissen, dass sie "es nicht in Ordnung bringen können", es aber auch "nicht zugeben können", und entscheiden sich für die Chemie statt für einen Schlussstrich. "Baby, deine Hände kennen sich hier schon bestens aus", singt Cooke und gibt sich dem Vertrauten hin, anstatt die vernünftige Entscheidung zu treffen. An dieser Stelle lässt sich die generationsspezifische Ausrichtung des Albums nicht mehr ignorieren. Cooke schreibt über die besondere emotionale Unsicherheit, die das Leben in den Zwanzigern mit sich bringt: Beziehungen, die zu ernst sind, um locker zu sein, aber zu instabil, um gesund zu sein; Freundschaften, die zu etwas mehr werden; Ex-Partner, die nie ganz verschwinden; die ständige Angst, dass alle anderen das Erwachsensein bereits gemeistert haben, während man selbst noch versucht, die Regeln zu verstehen.
"sleepless in seattle" geht in den Mainstream
"sleepless in seattle" verwandelt dieses Gefühl in den vielleicht offensichtlichsten Radiohit des Albums. Der Titel spielt geschickt auf die romantische Komödie aus den 90ern an, während der Song selbst ein bodenständiger, trommelgetriebener Folk-Pop-Titel mit gezupften Gitarren und Banjo ist. "Ich weine mir mein Maybelline von den Augen, sie trägt sein Flanellhemd", singt Cooke, noch bevor sie Meg Ryan überhaupt in die Geschichte einbringt. Der Song ist witzig, eingängig und man kann sich sofort damit identifizieren. Noch wichtiger ist, dass er genug Persönlichkeit hat, um sich wie ein typischer Ashley-Cooke-Song anzufühlen und nicht einfach wie eine weitere zeitgenössische Country-Pop-Single. Dieser Song scheint das Zeug dazu zu haben, sie weiter in den Mainstream zu bringen.
"Man Behind the Glass" mit JP Saxe schraubt die Lautstärke wieder herunter. Der Song, der sich um Klavier und Zurückhaltung dreht, thematisiert die emotionale Distanz eines Menschen, der es sich einfach nicht erlauben kann, verletzlich zu sein. "Du hast solche Angst, dein Herz zu verschenken", singt Cooke. Saxe beleuchtet daraufhin die andere Seite der Geschichte: "Ich bin stur, ich bin abgestumpft / Aber bei dir fühle ich mich so sicher, dass es schon gefährlich ist." Das Duett funktioniert, weil es keinen großen emotionalen Höhepunkt inszeniert. Stattdessen bleiben die beiden Stimmen fast wie in einem Gespräch, sodass der Song das "Was hätte sein können" erforscht, anstatt uns zu sagen, dass bereits etwas Endgültiges geworden ist.
"i'm up and i'm down" versetzt uns um 00:43 Uhr, genau in jene emotional angespannte Stunde, in der rationales Denken oft in den Hintergrund tritt. Es ist ein eingängiger Pop-Country-Song über den bekannten Kreislauf, jemanden zu hassen, ihn zu vermissen, ihn wieder hereinzulassen und es anschließend zu bereuen.
Die Stimme von Ashley Cooke bleibt eine der größten Stärken des Albums
Dann ist da noch "The Hell You Are", das nach wie vor der beste Song des Albums ist. Er wurde bereits zuvor veröffentlicht und ist zugleich der Moment, in dem Cooke musikalisch am selbstbewusstesten klingt. Ein stimmungsvoller, vom Western geprägter Country-Kracher, der von grandioser Gitarre und tobenden Geigen getragen wird und toxisches männliches Verhalten in etwas fast Filmisches verwandelt. "Du sagst, du kommst vorbei, und du schwörst, dass du nüchtern bist, ja, von wegen!" Die Darbietung steckt voller Biss, Humor und Wut, hat aber auch ein traditionelles Country-Fundament, das verhindert, dass der Song im generischen Pop-Country-Territorium versinkt. Es ist genau die Art von Song, die zeigt, warum Cooke das Potenzial hat, eine bedeutendere Künstlerin zu werden, als ihr derzeitiges Profil vermuten lässt.
"between the lines" kehrt zurück zur Verletzlichkeit. "Das ist nicht der richtige Zeitpunkt, Grenzen zu überschreiten", sagt Cooke zu einem Freund, während sie überdeutlich macht, dass sie viel mehr will. "Ich sage es nicht, aber ich schreie es fast schon heraus" ist die Art von Zeile, die Kelsea Ballerini instinktiv verstehen würde: emotional direkt, umgangssprachlich und voller unterdrückter Sehnsucht.
Der Einfluss von Kelsea Ballerinis bekennendem Pop-Country-Songwriting ist auf dem gesamten Album "ashley cooke" spürbar, ebenso wie das umfassendere Erbe von Taylor Swifts tagebuchartigem Ansatz. Doch Cooke versucht nicht, Swift zu sein. Das ist ein wichtiger Unterschied. Zu ihrem Songwriting-Team gehören einige der renommiertesten Songschreiber Nashvilles, darunter Lori McKenna, Hillary Lindsey, Liz Rose und Ashley Gorley, sowie regelmäßige Mitstreiter wie Emily Weisband und Lauren Hungate. Das bestimmende Merkmal des Albums ist jedoch Cookes Beharren auf ihrer eigenen Stimme. Produzent Dann Huff hat darüber gesprochen, wie schnell sie weiß, was ihr gefällt – und, was vielleicht noch wichtiger ist, was ihr nicht gefällt.
Dieses Selbstbewusstsein ist entscheidend. "xs", dessen Titel geschickt so gestaltet ist, dass er wie "excess" gelesen werden kann, während er sich tatsächlich auf "Ex-Partner" bezieht, verwandelt das wiederkehrende Thema in eine Pop-Country-Hymne von Stadionformat. Der Song brodelt durch die Strophen, bevor er in einen mächtigen Refrain explodiert, während "don't you know crossing lines makes xs" der Platte ein weiteres Beispiel für Cookes Fähigkeit liefert, ein vertrautes Thema durch ihre Sprache ein wenig frischer wirken zu lassen.
Wenn wir mit 30 noch Single sind, dann kauf ruhig den Ring
"When We're 30" ist vielleicht das deutlichste Beispiel für die generationsspezifische Ausrichtung des Albums. "Wenn wir mit 30 noch Single sind, dann kauf ruhig den Ring", singt sie und greift damit jenen vertrauten Pakt auf, den Freunde schließen, wenn sie scherzhaft vereinbaren, dass sie einander heiraten werden, falls niemand anderes auftaucht. Es ist ein großartiges Konzept, mit dem sich Cookes Kernpublikum sehr gut identifizieren kann. Es ist zugleich einer der Songs, die die Grenzen des Albums verdeutlichen. Seine emotionale Kraft wurzelt in einer ganz bestimmten Lebensphase. Hörer in ihren Zwanzigern, die dieselben Ängste durchleben, werden sich sofort darin wiedererkennen. Ältere Hörer mögen die Erinnerung an diese Zeit schätzen, doch für ein jüngeres oder älteres Publikum dürfte diese Gefühlswelt weniger zugänglich sein.
Das bringt uns zum abschließenden Statement des Albums, "the girl who cried wolf". Musikalisch ist der Song zurückhaltend und fast schon untertrieben, aufgebaut um eine sich wiederholende Gitarrenfigur und Cookes gesprächigen Gesang. Textlich kehrt er zu demselben Kreislauf zurück: "Wir trennen uns und dann sind wir wieder zusammen." Sie erzählt ihren Freunden, dass es endlich vorbei ist, aber niemand glaubt ihr mehr, und dann endet das Album ohne Auflösung. "Da sind Tränen in ihren Augen / Dieses Mädchen im Spiegel / Selbst sie glaubt mir nicht / Verdammt, ich würde es auch nicht." Es ist ein bemerkenswertes Ende, weil es sich weigert, einen ordentlichen Abschluss zu konstruieren. Cooke hat die Lektion nicht unbedingt gelernt. Sie ist dem Kreislauf nicht unbedingt entkommen. Sie hat ihn einfach nur dokumentiert.
Das ist zugleich faszinierend und frustrierend. Das Album ist kraftvoll, weil es sich wie ein Tagebuch anfühlt. Aber ein Tagebuch kann auch engstirnig sein. Großartiges Songwriting ermöglicht es den Zuhörern, ihre eigenen Erfahrungen in die Lücken zwischen den Zeilen einzufügen, während Cooke diese Lücken häufig mit äußerst spezifischen Details über ihr eigenes Leben und ihre emotionalen Umstände füllt. Diese Spezifität ist ihre größte künstlerische Waffe, aber sie ist auch das, was möglicherweise verhindert, dass "ashley cooke" zu einem Country-Album wird, das bei einem breiten Publikum Anklang findet. Diese 15 Songs haben etwas Filmisches an sich. Die wiederkehrenden Figuren, nächtliche Telefonate, Therapiesitzungen, Ex-Partner, Freunde, Bars, Autos und Hotelzimmer wirken fast wie Episoden einer Fernsehserie über eine Frau, die sich durch ihre Zwanziger navigiert. Man kann sich gut vorstellen, dass "ashley cooke" zum Soundtrack einer Streaming-Serie über Freundschaft, Dating und die Unmöglichkeit wird, vernünftige Entscheidungen zu treffen, wenn das Herz im Spiel ist.
Fazit: Ashley Cooke verfügt über das Gespür für Songwriting, eine unverwechselbare Stimme, kommerzielles Gespür und die Fähigkeit, kleine Details auf "ashley cooke" in unvergessliche Country-Pop-Momente zu verwandeln
