"What Have I Got to Lose", das neue Album von Cassidy Daniels, beweist, dass sie die Songs und die Kraft für den Durchbruch hat
Dieses Gefühl der Entdeckung ist es, das "What Have I Got to Lose" letztendlich seine Kohärenz verleiht. Es handelt sich hier nicht einfach um eine Sammlung von Liedern über Beziehungen. Es ist ein Album darüber, Dinge loszulassen: schlechte Beziehungen, Selbstzweifel, Erwartungen, Ängste und jene Seiten von uns, die nicht mehr zu uns passen. Cassidy Daniels beginnt umgeben von Liebe, Lust und Herzschmerz, doch wenn sie den abschließenden Titel "Amen and Hell Yeah" erreicht, ist sie an einem weitaus interessanteren Ort angekommen: Sie fühlt sich wohl in ihren eigenen Widersprüchen und gelangt dorthin, ohne jemals die Ecken und Kanten abzuschleifen, die sie so unverwechselbar machen.
Schon der Titel des Albums ist ein ziemlich guter Hinweis auf Daniels' Haltung. "What Have I Got to Lose" ist der Sound einer Künstlerin, die erkennt, dass es eine beträchtliche Freiheit bedeutet, wenn man kaum noch etwas zu beweisen hat. Auf dem gesamten Album finden sich Anklänge an Lainey Wilson, Ashley McBryde und die Brothers Osborne, während einige der bluesigeren Momente an Etta James und Amy Winehouse erinnern. Manchmal reichen die Gitarrenklänge sogar bis in den Bereich des Classic Rock zurück, in die Richtung von Bon Jovi und Aerosmith. Doch Daniels verkleidet sich nicht in den Kleidern anderer. Sie nimmt diese Einflüsse auf und versetzt sie in ihre ganz eigene, eindeutig südstaatlich geprägte, von ihren Wurzeln getragene Welt.
"What Have I Got to Lose" hat eine beeindruckende Bandbreite an Emotionen, die in zehn Songs abgedeckt wird
Das Album beginnt mit einer emotionalen und klanglichen Souveränität, die vermuten lässt, dass Daniels bereits weit mehr Geschichten erlebt hat, als ein Debüt-Album fassen kann. "Heart Shaped Necklace", das kürzlich bei der Premiere von "Dutton Ranch" zu hören war, ist ein idealer Einstieg. Rauhe Gitarren und rauchige, vom Leben gezeichnete Vocals schaffen eine Southern-Rock-Kulisse für ein Liebeslied, das bewusst auf die polierte Perfektion verzichtet, die oft mit diesem Genre assoziiert wird. Hier geht es nicht um Diamanten und Märchen; es geht darum, zu wissen, was wirklich zählt. "Ich brauche keinen echten Diamanten, nur ein starkes Herz", singt Daniels und reduziert damit eine ganze Philosophie der Liebe auf eine wunderbar einfache Zeile.
Das ist ein wichtiger Unterschied. Cassidy Daniels sucht nicht nach Romantik als abstraktem Ideal. Sie sucht nach etwas Authentischem, so chaotisch das auch sein mag. Die bodenständige Produktion und die emotionale Verletzlichkeit des Songs lassen ihn weniger wie ein konventionelles Liebeslied wirken als vielmehr wie ein Bekenntnis zu bestimmten Werten – und es fühlt sich völlig angemessen an, Daniels dieses Gefühl in den Mittelpunkt eines der derzeit prominentesten Western-Universen des Fernsehens stellen zu hören. Ihre Musik klingt bereits so, als gehöre sie in eine Welt, in der Liebe, Überleben und Hartnäckigkeit sich selten gegenseitig ausschließen.
Während "Heart Shaped Necklace" die emotionale Landschaft prägt, zeigt "Ain't No Jukebox" Daniels' Sinn für Humor. Der funkige, selbstbewusste Groove des Tracks ist vielleicht das deutlichste Beispiel für Osbornes Einfluss, wobei die DNA der Brothers Osborne besonders im gitarrenlastigen Arrangement zum Ausdruck kommt. Doch erst Daniels' Persönlichkeit macht den Song zu dem, was er ist. "Du kannst mich nicht einfach einschalten, wann immer du mich spielen willst", singt sie und verwandelt die Metapher der Jukebox in eine freche Unabhängigkeitserklärung. Der Song ist im Grunde eine als Kneipenparty getarnte Machtverhandlung. Daniels wartet nicht darauf, aus der Jukebox ausgewählt zu werden, wann immer jemand gerade Lust auf einen Song hat. Das Arrangement spiegelt diese Haltung wider und geht in einen Honky-Tonk-Ausbruch über, bevor ein perfekt getimtes Geigensolo einsetzt, das den Song in seine Schlussphase treibt. Es ist witzig, funkig und bewusst absurd, doch dahinter verbirgt sich eine ernste Botschaft. Daniels setzt Grenzen – und das mit einem Grinsen im Gesicht.
Cassidy Daniels tourte als Vorband für Lynyrd Skynyrd
Diese Zuversicht wird in "Perfume Over Cigarette Smoke" etwas zerbrechlicher – dem vielleicht deutlichsten Moment des Albums, in dem es um Liebeskummer geht. Das Midtempo-Arrangement hat eine erdige, kraftvolle Qualität, die an Ashley McBryde erinnert, während Daniels' westernlastige Stimmlage den Song fest in ihrer eigenen Welt verankert. Sie gibt nicht vor, dass es glamourös sei, über jemanden hinwegzukommen. "Im Moment atme ich einfach nur durch den Schmerz hindurch", gibt sie zu und fängt damit jene seltsame Phase nach einer Trennung ein, in der es schon wie eine Leistung wirken kann, sich einfach nur zusammenzureißen. Es ist ein wunderschönes Beispiel für Daniels' Fähigkeit, Verletzlichkeit eher stark als zerbrechlich klingen zu lassen. Hier gibt es kein Melodram. Stattdessen betrachtet sie den Liebeskummer von innen heraus und findet Poesie in dem alltäglichen Bestreben, ihn zu überstehen.
"Crazy Love" greift diese Verletzlichkeit auf und heizt die Stimmung sofort wieder an. "Ich will dich küssen, wie du noch nie geküsst wurdest / Dich vergessen lassen, dass sie jemals existiert hat." Es ist ein kühner Auftakt, der uns jedoch sofort zeigt, was für eine Songwriterin Daniels ist. Sie schreibt eher in Bildern als in Abstraktionen, und sie scheut sich nicht vor Begierde. Produziert mit Osbornes charakteristisch kraftvoller Gitarrensensibilität, tendiert der Song zum Country-Rock, ohne dass die Produktion die Sängerin übertönt. Besonders wirkungsvoll sind die dunkleren Gitarrentöne, die dem Song einen leicht gefährlichen Touch verleihen. In Daniels' Darbietung steckt hier echte Leidenschaft. Die Gitarren im Anschluss an den Refrain sorgen für Schwung, doch es ist ihre Stimme, die die Spannung erzeugt. Das ist die Art von Darbietung, bei der man aufhört, darüber nachzudenken, was als Nächstes kommt, weil man plötzlich viel mehr daran interessiert ist, zu hören, was diese Künstlerin als Nächstes tun könnte. Daniels singt nicht nur über verrückte Liebe; sie klingt, als wüsste sie genau, was dieser Ausdruck bedeutet.
Dann folgt einer der besten Titel des Albums: "When It Rains". Der Song, der sich um Geige, Klavier, Orgel und Handklatsch-Percussion dreht, bewegt sich in einem faszinierenden Spannungsfeld zwischen Western-Country, Southern Soul und Country-Rock. Der Refrain bringt einen funkigen rhythmischen Schwung mit sich, während Daniels die umwerfende Zeile singt: "I only miss you when it rains and baby I'm in the desert." Es ist cleveres, melodisches Songwriting, doch das Arrangement macht den Song zu etwas Größerem. Er ist von einer filmischen Western-Atmosphäre durchzogen – man kann sich fast vorstellen, wie Daniels ihn um 1865 in einem Saloon in "Lonesome Dove" singt –, doch die Funk- und Rock-Elemente verhindern, dass er zu einer reinen Nostalgieübung wird. Stattdessen wirkt es so, als würde eine moderne Künstlerin traditionelle Elemente des Southern Country aufgreifen und sie in eine viel größere musikalische Landschaft einbetten.
Noch wichtiger ist, dass "When It Rains" zeigt, wie gut Daniels' Stimme ist, wenn sie ihr Raum zum Entfalten gibt. Die Rauheit ist immer noch da, aber ebenso die Kontrolle. Es ist einer der Songs, die deutlich machen, dass Daniels nicht nur eine vielversprechende neue Country-Sängerin ist. Sie hat die stimmliche Persönlichkeit, um zu einer bedeutenden Künstlerin zu werden.
"What Have I Got To Lose" ein äußerst starker Anwärter auf den Titel "Debütalbum des Jahres"
Während sich die erste Hälfte von "What Have I Got to Lose" mit Sehnsucht und Liebeskummer beschäftigt, markiert "That Kind of Man" eine subtile Wendung. Es ist die erste Ballade des Albums, doch sie einfach als Ballade zu bezeichnen, wird ihr nicht ganz gerecht. Hier handelt es sich um Blues und Soul im Country-Gewand. "Ich dachte, ich wäre ein einsamer Wolf, doch plötzlich tauchte er auf", singt Daniels, bevor sich der Song zu einem gewaltigen, bluesgetränkten Refrain entfaltet. "Wenn er diese Art von Frau will, muss er diese Art von Mann sein." Hier findet eine fast perfekte imaginäre Begegnung zwischen Lainey Wilson, Etta James und Amy Winehouse statt: südstaatliche Selbstsicherheit, bluesige Kraft und gefühlvolle emotionale Intelligenz nehmen alle denselben Raum ein. Daniels' Stimme schwebt empor, und dies könnte durchaus ihre beste Gesangsleistung auf dem Album sein.
Die Bedeutung des Songs geht zudem über die reine Romantik hinaus. Daniels hat einen Großteil des Albums damit verbracht, deutlich zu machen, dass sie es nicht akzeptiert, beiläufig oder nachlässig behandelt zu werden. Hier formuliert sie den Maßstab, den sie von jemandem erwartet, der an ihrer Seite stehen will. Sie verändert sich nicht, um den Erwartungen eines anderen zu entsprechen. Wenn jemand "diese Art von Frau" will, muss er "diese Art von Mann" werden.
Dann stellt sie mit "Come to Jesus" die gesamte Vorstellung von Erlösung auf den Kopf. In den Händen von Anne Wilson oder Gabby Barrett würde ein Song mit diesem Titel ganz natürlich in eine eher explizit fromme Richtung gehen. Daniels führt den Ausdruck jedoch an einen weitaus verlockenderen Ort. Der Song explodiert gleich zu Beginn mit der dramatischen Dringlichkeit eines Songs wie Lainey Wilsons "Wildflowers and Wild Horses" und galoppiert auf einem filmreifen Western-Arrangement voran. "Es waren nur Dornen und nie Rosen", singt sie, bevor sie den grandiosen Gnadenstoß liefert: "Ich musste zu Jesus kommen, und er sagte mir, ich solle dir sagen, du sollst zur Hölle fahren."
Es ist zweifellos ein Rachelied, aber letztendlich ist es ein Lied der Selbstermächtigung. Daniels sucht keine Rache, weil sie in der Vergangenheit gefangen ist; sie geht weg, weil sie endlich verstanden hat, dass sie etwas Besseres verdient. Die religiösen Bilder werden zu einer südstaatlichen Ausdrucksweise für Befreiung. Musikalisch ist der Song gewaltig. Das Arrangement wirkt weitläufig und filmisch – genau die Art von Song, die eher eine Bühne als ein Paar Kopfhörer zu verlangen scheint. Er ist eines der deutlichsten Beispiele auf dem Album dafür, dass Daniels versteht, wie man eine persönliche Geschichte in eine Hymne verwandelt.
Cassidy Daniels hat die Stimme. Sie hat die Songs. Sie hat das Gitarrenspiel drauf. Vor allem aber hat sie etwas zu sagen
"The Chaser" setzt unterdessen diesen Wandel vom verwundeten Überlebenden zu jemandem fort, den niemand unterschätzen sollte. Der Anfang wirkt fast so, als würden "Stairway to Heaven" und Bon Jovis "Wanted Dead or Alive" aufeinandertreffen: akustisch, dramatisch und weitläufig, aber mit einem unverkennbaren Western-Touch. Daniels singt: "Silver tongue cuts like a razor…", bevor er die Erklärung abgibt: "I ain't broken, I'm the breaker." Diese Zeile könnte fast als Leitmotiv des Albums dienen. Die Pedal-Steel-Gitarre verleiht der ansonsten kraftvollen Rockballade eine wunderschön melancholische Western-Note und beweist einmal mehr Daniels' Gespür dafür, den Raum zwischen den Genres zu besetzen, anstatt sich für eine Seite zu entscheiden. Sie versteht, dass Country Music sowohl Verletzlichkeit als auch Lautstärke, Geschichtenerzählen und Selbstbewusstsein, Pedal-Steel-Gitarre und E-Gitarre vereinen kann.
An dieser Stelle wird der emotionale Bogen des Albums deutlich. Daniels hat sich von der Frage, was schiefgelaufen ist, hin zur Entscheidung bewegt, wie es weitergeht. Damit kommen wir zu "What Have I Got to Lose" selbst. Der Titelsong erscheint erst spät, wirkt aber wie der Punkt, auf den das gesamte Album hingesteuert ist. E-Gitarren sorgen für die Kraft, während die Ränder gelegentlich die Selbstsicherheit von Aerosmith oder Bon Jovi versprühen. In der Country-Rock-DNA des Songs steckt viel von den Brothers Osborne und Lainey Wilson, doch auch hier verhindert Daniels' Persönlichkeit, dass er sich wie eine Kopie anfühlt. "Ich bin es leid, diese Dinge mit mir herumzuschleppen, die mich zermürben", singt sie. Und genau das ist es. In dem Album geht es nicht wirklich darum, etwas zu verlieren. Es geht darum, etwas abzulegen. Dieser Unterschied ist wichtig. Daniels erholt sich nicht einfach von einer Beziehung oder feiert einen Neuanfang. Sie weigert sich bewusst, alten Ballast in das nächste Kapitel mitzunehmen. Der Song wirkt daher über seinen unmittelbaren romantischen Kontext hinaus. Jeder, der jemals an den Punkt gelangt ist, an dem er entschieden hat, dass Angst, Reue, Groll oder die Erwartungen anderer zu viel Raum eingenommen haben, wird sich darin wiedererkennen.
Zum Schluss in die Kirche
Das letzte Drittel schwingt sich empor und steigert sich, was Daniels eine weitere Gelegenheit bietet, ihre Stimme auszubreiten, bis der Song ein angemessen hymnisches Crescendo erreicht. Der Klang selbst wird zum Ausdruck der Befreiung. Dann beendet Daniels den Song – ganz geschickt – nicht mit einer weiteren Siegesrunde. Sie beendet ihn in der Kirche.
"Amen and Hell Yeah" ist vielleicht der aufschlussreichste Song des Albums, weil er es Daniels ermöglicht, die Widersprüche anzuerkennen, die sie menschlich machen. "Meine Schutzengel machen alle Überstunden für mich", gibt sie zu und blickt mit gleichermaßen Belustigung wie Dankbarkeit auf die wildere Version ihrer selbst zurück. Der Song ist ruhiger und nachdenklicher, während Daniels darüber nachdenkt, wo sie gewesen ist und wo sie gelandet ist. Aber es ist kein konventioneller religiöser Song. Stattdessen nutzt sie die Sprache und Bildsprache des südstaatlichen Glaubens als Rahmen, um sich selbst zu verstehen. Sie lebt irgendwo zwischen "Amen" und "Hell Yeah": zwischen Reflexion und Rebellion, Dankbarkeit und Exzess, Zurückhaltung und Freiheit.
Die Struktur des Songs macht die Metapher noch raffinierter, denn die erste Hälfte entspricht dem "Amen": nachdenklich, intim und zurückhaltend. Dann entlädt sich der Song nach und nach in einem gewaltigen Rock-Finale, dem "Hell yeah". Das Arrangement verkörpert buchstäblich den Widerspruch, der im Kern des Textes steckt. Es ist ein passendes Ende, denn "What Have I Got To Lose" hatte nie das Ziel, Cassidy Daniels als vollkommen ausgereiften Charakter darzustellen. Sie ist nach wie vor komplex. Immer noch laut. Immer noch gelegentlich leichtsinnig. Immer noch hoffnungsvoll. Immer noch am Lernen – und genau deshalb funktioniert das Album.
Es gibt technisch ausgefeiltere Debütalben. Es gibt Debütalben, die mit offensichtlicheren Radio-Singles oder sorgfältiger konstruierten kommerziellen Identitäten auf den Markt kommen. Aber es gibt nur sehr wenige, die sich so ausgereift anfühlen und gleichzeitig so klingen, als würde eine Künstlerin gerade erst entdecken, wozu sie fähig ist. John Osbornes Produktion verdient enorme Anerkennung. Sein Einfluss ist in den Gitarren, den Grooves und der Kraft des Southern Rock hörbar, aber entscheidend ist, dass er Cassidy Daniels niemals aus dem Album herausproduziert. Die Arrangements geben ihr Raum, verletzlich, witzig, wütend, sexy und triumphierend zu sein. Das Ergebnis ist ein Sound, der sich organisch und nicht künstlich anfühlt.
Fazit: Auf dem gesamten Album "What Have I Got to Lose" beweist Cassidy Daniels, dass sie hart rocken kann, ohne dabei die Melodie zu vernachlässigen, über Liebeskummer zu singen, ohne rührselig zu werden, südstaatliche Musiktraditionen zu pflegen, ohne sich von ihnen einengen zu lassen und über den Glauben zu schreiben, ohne das Album in eine Predigt zu verwandeln.
