Atlus' Debütalbum "Art of Letting Go" ist ein schonungsloser, unverfälschter Blick auf eine harte Kindheit
Diese harte Arbeit in den Anfangsjahren hat sich mehr als ausgezahlt und zu über einer Milliarde Streams, einer Platin-Auszeichnung und einem Top-5-Debüt in den Spotify Global Album Charts geführt. Als er bei der BBR Music Group / BMG Nashville unter Vertrag genommen wurde, hatte sich Atlus bereits als fesselnde, emotional direkte Stimme etabliert – er erlangte Anerkennung von Billboard und landete auf Pandoras "Artists to Watch"-Liste.
Diese Grundlage fließt direkt in sein Label-Debütalbum "Art of Letting Go" ein, ein zutiefst persönliches Projekt mit 15 Titeln, das von Trauer, Wachstum und gelebter Erfahrung geprägt ist.
Das Album verbindet Country mit Einflüssen aus Rock, Pop und Hip-Hop und spiegelt die gesamte Bandbreite seiner Reise wider – von einer von Entbehrungen geprägten Kindheit über den Verlust seiner Schwester bis hin zur Sucht, die den emotionalen Kern des Albums bildet.
In Songs wie "Devil Ain't Done" und "Spare Key" zeigt sich Atlus sowohl verletzlich als auch widerstandsfähig und präsentiert seine Geschichte nicht nur als Reflexion, sondern als Möglichkeit, eine Verbindung herzustellen. Es ist ein Album, das auf Ehrlichkeit basiert, wobei Atlus seine Musik als etwas positioniert, das jedem Zuhörer, der Ähnliches durchgemacht hat, eine Erleichterung verschaffen soll.
"Art of Letting Go" ist schwer, manchmal bis zur Unbehaglichkeit
"Art of Letting Go" präsentiert sich nicht als ausgefeiltes Debüt im herkömmlichen Sinne – es wirkt vielmehr wie ein durchlebtes Werk. Bevor es ins Rampenlicht rückte, gab es lange Autofahrten, lange Nächte und Texte, die in den Randspalten der Erschöpfung hingekritzelt wurden. Diese Entstehungsgeschichte ist wichtig, denn dieses Album klingt genau so, als wäre es in Bewegung geschrieben worden: unruhig, suchend und voller Wahrheiten, denen man sich nur stellt, wenn nichts als die Straße vor einem liegt.
Von Anfang an etabliert sich das Album als Dokument des Überlebens. Kein Triumph, keine Entschlossenheit – Überleben. Dies ist ein Künstler, der keine Angst hat, sich in Unbehagen zu versetzen, die Stimmen zu benennen, die einen nach unten ziehen, und dies mit einer Ambition von der Größe einer Arena zu tun. Die Klangpalette – irgendwo zwischen Country, Rock und Hip-Hop – reiht ihn in die Tradition von Künstlern wie Jelly Roll ein, doch Atlus' Perspektive fühlt sich eindeutig eigen an.
Das Album beginnt mit "Secondhand Smoke" und der Song ist so düster und roh wie kaum ein anderer hier. Atlus reflektiert über Lektionen aus seiner Kindheit darüber, wie gnadenlos die Welt sein kann, und erinnert sich daran, wie er mit zehn Jahren zur Seite genommen und genau das gesagt bekam. Die Produktion lehnt sich an das Gefühl der frühen "Whitsitt Chapel"-Ära von Jelly Roll an – rau, genreübergreifend –, aber es ist Atlus' Stimme, die dem Ganzen Halt gibt. Sie hat Gewicht, vermittelt das Gefühl, dass jede Zeile verdient ist.
Diese emotionale Intensität setzt sich in "Devil Ain't Done" fort, wo innere Kämpfe durch Bilder von Teufeln und Sündern nach außen getragen werden. Das ist zwar nicht subtil, aber wirkungsvoll. Der Produktionsumfang – kräftige Drums, mitreißende Hooks – lässt vermuten, dass diese Songs für Live-Auftritte gemacht sind, wo der gemeinschaftliche Aspekt dieser Kämpfe voll zur Geltung kommen kann.
Die wahre Tiefe des Albums zeigt sich jedoch in seinen ruhigeren Momenten. "Still Haven't Stopped" ist in seiner Zurückhaltung erschütternd und lotet die emotionale Belastung aus, die es bedeutet, jemanden zu lieben, der aktiv süchtig ist. "I've done another dealing with all of your demons, ain't telling how maybe fought", singt Atlus, wobei seine Phrasierung auf eine Weise gebrochen ist, die die Instabilität widerspiegelt, die er beschreibt. Der Song steigert sich zu einem hymnischen Mittelteil, schwillt zu etwas fast Triumphierendem an, bevor er wieder in Unsicherheit zurückfällt – eine perfekte Verkörperung dieses Hin und Her zwischen Festhalten und Loslassen.
Der Titeltrack "Art of Letting Go" ist das emotionale Herzstück des Albums
Der Titeltrack "Art of Letting Go" ist vielleicht das emotionale Herzstück des Albums. Begleitet von spärlichem Klavier gesteht Atlus: "Ich gehe nicht einmal zum Grab. Es ist noch zu früh", bevor er zugibt: "Alles, was ich je gekonnt habe, ist wegzulaufen." Es ist Trauer, Vermeidung und Verletzlichkeit in einem. Klanglich fühlt es sich an wie ein Schnittpunkt zwischen Jelly Rolls stiller Intensität und Teddy Swims' rohem, gefühlvollem Vortrag – weitläufig, ohne an Intimität zu verlieren.
Selbst wenn das Tempo anzieht, bleiben die Themen dieselben. "Hold My Liquor" bringt einen beschwingteren Rhythmus mit – Fingerschnippen, ein leichterer Groove –, doch das Bedauern steht nach wie vor im Vordergrund: "Hätte ich sie so festgehalten, wie ich meinen Alkohol festhalte, würde sie sich jetzt nicht an jemand anderen an einem neuen Ort klammern." Es ist einer von mehreren Momenten, in denen Atlus Klangbild und Thema gegeneinander stellt und hellere Produktionen nutzt, um dunklere Reflexionen zu umrahmen.
"Spare Key" setzt diesen Faden fort und beginnt optimistisch, bevor es sich in Herzschmerz auflöst. Das Bild eines in einem Briefkasten zurückgelassenen Schlüssels ist einfach, aber niederschmetternd, und die ausgefeilte, moderne Country-Produktion des Tracks verleiht ihm eine breite Anziehungskraft. In ähnlicher Weise lehnen sich "Sounds Like Alcohol" und "Town Down" an eine von Shaboozey inspirierte rhythmische Sensibilität an und verbinden Country-Storytelling mit Hip-Hop-beeinflussten Beats. In letzterem malt Atlus Nostalgie mit Zeilen wie "We used to stay up till the sun turned off the streetlights", nur um sie in etwas Destruktives zu verwandeln: "You took the heart from my home."
Atlus' Songwriting zeugt zudem von einer gewissen Raffinesse, die in Titeln wie "IOD on YOU" zum Vorschein kommt, wo Suchtmetaphern in ein Liebeslied umgewandelt werden. "Ain't no rehab for this", singt er und stellt die Besessenheit sowohl als Schwäche als auch als eine Art Erlösung dar. Es ist einer der hoffnungsvolleren Momente des Albums, auch wenn sich der Optimismus selbst hier noch zurückhaltend anfühlt.
"Roses" sticht als der vielleicht ausgereifteste Titel des Albums hervor. Der Song ist groß – arena-groß – mit einer schimmernden Produktion, die im Refrain rockiger Kraft Platz macht. Atlus singt Zeilen wie "I've got all these other issues and plenty more to get through" mit einer Überzeugung, die zugleich erschöpft und entschlossen wirkt. Es ist ein Song darüber, sich seinen Dämonen zu stellen, ohne so zu tun, als würden sie verschwinden.
Der letzte Teil des Albums tendiert eher in kommerzielle Gefilde. "Break Me First" und "Guilty" tragen den Schliff eines Mitchell Tenpenny, mit poporientierten Strukturen und gewaltigen, melodischen Refrains. Insbesondere "Guilty" greift das wiederkehrende Thema des Albums auf: Selbstsabotage. "Es macht es schwer, weil du das nicht verdienst", gibt Atlus zu, wohl wissend, dass er dabei ist, etwas Gutes zu ruinieren. "Half the Bottle" folgt einem ähnlichen Schema und verbindet eingängige Melodien mit emotionalen Nachwirkungen.
Atlus mag noch lernen, loszulassen
"In the City" schaltet erneut einen Gang zurück und taucht in einen Club-Country-Hybrid ein, der an Graham Barham erinnert, mit schwerem Bass und R&B-Untertönen. Thematisch ist es einer der leichteren Momente des Albums, obwohl er immer noch in Identität und Ort verwurzelt ist – und eine Grenze zwischen ländlicher Authentizität und urbaner Exzessivität zieht.
Der letzte Titel, "Baby Momma", führt alles dorthin zurück, wo es begann: zur Familie. Mit einem akustischen Post-Grunge-Feeling beginnt der Song, in dem Atlus die Geschichte einer jungen Frau erzählt, die mit achtzehn Jahren verlassen wurde – nur um dann zu enthüllen, dass es sich um seine Mutter handelt. Die Wendung im Refrain – "Du hast mir das Leben geschenkt, das du dir immer gewünscht hast, ich werde immer dein Baby sein, Momma" – verleiht dem Titel durch ein einfaches Komma und viel Herz eine ganz neue Bedeutung. Das Album mit einer Voicemail seiner Mutter zu beenden, in der sie ihn bittet, sie in seinen Gebeten zu behalten, ist fast unerträglich intim, aber es fühlt sich verdient an.
Fazit: Was "Art of Letting Go" so fesselnd macht, ist nicht nur seine Ehrlichkeit, sondern auch die Beständigkeit seiner Vision. Dies ist ein Album, das von Selbstvorwürfen, Zweifeln, Sucht und dem langen Schatten einer harten Kindheit durchdrungen ist. Atlus bietet keine einfachen Antworten – oft bietet er gar keine Antworten. Stattdessen dokumentiert er den Prozess: die Rückschläge, die Rückfälle, die Momente der Klarheit, die nicht ganz von Dauer sind.
